Interview with an engaged fashion designer

(segue in italiano)

In the previous post, some days ago I talked about the work of designer Otto Von Busch and shared some resources about his work. Now the interview is ready, in italian and english. Enjoy it!

Zoe Romano: In your book Fashion-able you talk about “engaged fashion design”. What are its main characteristics in theory and practice in comparison with classic fashion design?

Otto Von Busch: What I call classic fashion design, what is still mainly taught at fashion schools and what we meet in media, is still very much based on the cult of the genius, or the divine creator. In this sense fashion is still a true believer in “intelligent design”, defying any notion of evolution. Fashion generally refuses to see that every part of the industry and every new look is built upon and refers to someone else’s work, in very specific details. This, together with the self-centered personality cultivated at fashion school, creates a system with very little social awareness.

Engaged fashion design tries to break this isolation and self-centeredness. Here the idea is rather to use fashion as a tool to spread agency to consumers, rather than the designer retaining agency to him/herself. The designer can use fashion to help participants become empowered and use fashion as an arena for co-authorship, rather than only stand “downstream” and only choose from and buy what the system provides. The role of the designer becomes more of a community builder and facilitator spreading agency and skills rather than an exclusive artist.

However, a question I often receive is “shall designers become social workers?” No, it is important to acknowledge that the skills of the designer are very important, because it is with them that you engage people. You are still a designer, perhaps somewhat inspired by pedagogic, development practice, social work, community building – and you still design! One question is: “What social resources and assets can my design mobilize during production and use?” Another is “How can my design advance the knowledge and skills of people who produce or wear it?” – “Can this garment empower people more than just through the eyes of others?
The question is not if everyone should become a designer, but rather anyone. How do we orchestrate such facilities for the Everyman through our skills as fashion designers?

Italyan avlusu

You also talk about collaborative moments that become moments of empowerment and self-enhancement because it’s not only about sharing an experience, but also the possibility of building on the shared work of others. Can you explain more deeply these experiences and their relationship with the concept of “copy”?

I usually use the metaphor of hacking to explain these ideas. The idea is not to turn off the machine, or destroy it to build another. Rather the skills of the hacker are situated in the craft and knowledge to tune the machine and make it do new amazing things. The engaged fashion designer can use the “power” of fashion, trends and beauty and spread it to more people.

Here it is important to acknowledge the big fashion system, the haute couture and high fashion. This is still where most fashion expressions or “dreams” are produced, and this is still what powers fashion and gathers the greatest skills and money. But not all designers have to strive to design for the top. Just like not all programmers have to work for Microsoft. Rather, in software many programmers build on Linux systems instead. But these Linux programmers use the success of Microsoft as a tool to get closer to users, and today most Linux distributions somehow look like the Office package – and that is what most people use their computers for. Linux is not something totally different, but simply an open operating system. Similarly we can say that fashion hacktivism is just like fashion – but open, engaged, inclusive. It looks like fashion, but the operating system’s kernel is very different.

This can make us rethink our relations to copies. Fashion is built on references and copies. Indeed, a trend is a massive wave of anonymous cross-references and copies. But from my experience people coming to redesign workshops are not there to copy stuff, but rather to study the “codes” of fashion. Giana Gonzalez and her project is a beautiful example of this, where people reverse engineer the “source code” of famous brands and pimp their old clothes in this style. They study, remix, and sample but they never do copies.
Likewise, in many of my workshops the feeling has been that we all for a kind of temporary design studio, an own scene for an evening. To use the words of Brian Eno we can say that engaged fashion design moves from the focus on the “genius” to the “scenius” – to the shared scene of collaborative innovation.

In a recent talk, Sir Ken Robinson addressed the problem of educational institutions. Schools and universities are often teaching topics and practicing a type of teaching that doesn’t engage students anymore because it lost the connections with the transformations of the outside world and the way modes of production are evolving , because the current system of education was designed and conceived for a different age. How do you see this critique, with the focus on fashion schools?

Fashion schools are generally in some connection to the art academies, and even at the most technical schools the students look towards the elevated artists in the field. The education is entirely focused on producing pieces and stand before a jury alone. The student defends her projects individually with a collection, no cotton farmer, producer or user is there. The garment or collection should “speak for itself”. This is still the backbone of all education in cultural fields like art and design.

It is just over the decade questions about ethical production, ecological materials etc have seriously come into education. Fashion design still pretends it has no interest in user studies, or focus groups. It is the marketing department who works with that, not the designer – the designer stands above all such banal matters. This is still the approach from fashion, even though the social media landscape has totally transformed how a new generation interacts and communicates.

So, yes, fashion education needs to rethink, especially these days when fashion has become such a popular phenomena. A lot of students think they know what fashion is already before starting fashion school, and this means they only reproduce the same during their time at university. Fashion schools need to encourage new models of presenting fashion, not only collections and catwalk shows. We see far too little experimentation.

Which type of major changes do you think open hardware and open software will bring to fashion creation and production? Can you give us some practical example?

The FabLabs we see among the hacker community will also come to fashion. Open source pattern programs and the possibility to print fabric in a domestic ink-jet printer will also change the way fashion is produced. The processes of hacking embroidery machines and using laser cutting for fabric is also still only in its infancy. With more accessible infrastructure, like in the world of computers, I think we will see more of a pro-am or wiki-economy grow. And then we haven’t looked at the whole swapping or recycling scene; the million of tons of clothes going to the dumps every year will be a huge resource for new approaches to what design is and where in the product chain it happens.

(see fablabs on wikipedia and this previous post about fabrication)

Obsolescence is the main mechanism of creating wealth in an industry of low intellectual property protection on items as fashions. Copying garments (not logos!) is allowed as long as trends can move faster and people are used to throw away stuff each season. Isn’t environment paying the price for this freedom?

Yes, the environment pays the price. But I think we must be careful when addressing sustainability and not come too fast to the conclusion that all garments should last longer or that we should “slow down” fashion. The speed of fashion today is perhaps not something coming from fashion itself, but from society in general. We must ask; “which speeds do we want and need?” – and also; “which values stimulated by fashion do we still want to have around?

Can we create systems which still supports fashion, but does this without environmental impact? I usually use the example of the hairdresser when discussing this: we go there every month, but perhaps not only to get the hair cut. We also do it for updates about the community, gossip and a little massage. We feel cared about and we come out transformed. It does so with little environmental impact. What can fashion design learn from that? What other inspirations can we have to transform the way we think about fashion?


It’s important and i’m glad that this interview ended with some open questions because we should all feel included in a process of change that is already happening. It’s exciting and engaging because the future is open and more and more people can influence the direction to take.


Nel post di qualche giorno fa ho parlato del lavoro di Otto Von Busch e ho condiviso alcune risorse relative al suo lavoro. Ora è pronta l’intervista in inglese e italiano. Enjoy it!

Zoe Romano: Nel tuo libro Fashion-able parli di “fashion design impegnato”. Quali sono le sue caratteristiche principali sia teoriche che pratiche in confronto al fashion design più classico?

Otto Von Busch: Ciò che chiamo fashion design classico è quello insegnato principalmente nelle scuole di moda e che vediamo nei media, ancora molto basato sul culto del genio, del creatore divino. In questo senso la moda crede fermamente nel “progetto intelligente” rifiutando qualsiasi nozione di evoluzione. La moda generalmente rifiuta di vedere che l’industria della moda e ogni nuovo look sono costruiti a partire dal lavoro di qualcun altro, anche in dettagli specifici. Questo aspetto, insieme alla coltivazione di una personalità incentrata sul sè delle scuole di moda, crea un sistema che ha una consapevolezza sociale molto limitata.

Il fashion design impegnato cerca di rompere questo isolamento ed egocentrismo. L’idea è di usare la moda come strumento per diffondere l’azione nei consumatori, piuttosto che riservare l’azione per sè. Il designer può usare la moda per aiutare i partecipanti a prendere coscienza delle proprie capacità e usarla come un’arena per la co-autorialità, piuttosto che farli rimanere semplicemente a valle e scegliere di comprare quello che il sistema offre. Il ruolo del designer diventa quindi più quello di facilitatore e costruttore di comunità che diffonde capacità di fare e competenze, invece di essere solo un artista.

Una domanda che mi fanno spesso è: “Ma i designer diventano così assistenti sociali?”. No, le capacità del designer sono molto importanti perchè è con quelle che coinvolgi le persone. Sei ancora un designer ma con una pratica ispirata dalla pedagogia, dal costruire socialità e comunità – e ti occupi ancora di design! Un’altra domanda è “Quali risorse e beni sociali può il mio design mobilitare durante l’uso e la produzione?” Oppure “Come può il mio design migliorare la conoscenza e le capacità delle persone che lo producono o lo indossano? – “ Può questo vestito accrescere le persone non solo attraverso gli occhi degli altri?” –
La questione in gioco non è se tutti devono diventare designer, ma piuttosto se ciascuno lo potrebbe diventare. Come possiamo orchestrare questa possibilità per l’uomo-qualunque attraverso le nostre conoscenze di fashion design?

Poi parli anche di come i momenti collaborativi diventino anche momenti di presa di coscienza delle proprie capacità e crescita personale perchè non è solo una questione di condividere un’esperienza, ma anche la possibilità di costruire a partire dal lavoro di altri. Puoi soffermarti su queste esperienze e sulla loro relazione con il concetto di “copia”?

Uso spesso la metafora dell’hacking per spiegare questi concetti. L’idea non è di fermare la macchina, o distruggerla per costruirne un’altra. Le capacità dell’hacker sono situate nella conoscenza e nella manualità di sintonizzare la macchina e farle fare nuove fantastiche cose. Il fashion designer impegnato può usare questo potere della moda, dei trend, della bellezza per diffondersi in molte più persone. Qui è importante capire la distinzione tra il sistema moda, l’haute couture e l’alta moda. In questi spazi si producono I sogni e le espressioni della moda, ed è questo che rende potente la moda e le fa accentrare i migliori talenti e la maggior parte dei soldi. Ma non tutti i designer devono battersi per raggiugnere il top. Così come tutti i programmatori devono lavorare per Microsoft. Anzi, nel software molti programmatori preferiscono Linux.

Ma i programmatori di Linux usano il successo di Microsoft come strumento per avvicinarsi agli utenti, e oggi, molte distribuzioni di Linux assomigliano al pacchetto Office – perchè questo è quello per cui la maggior parte degli utenti usa il pc . Linux non è qualcosa di totalmente differente, ma semplicemente un sistema operativo aperto. Allo stesso modo possiamo dire che il fashion hacktivism è proprio come la moda – ma aperto, coinvolgente e inclusivo. Sembra come la moda, ma il cuore del sistema operativo è molto diverso.

Questo ci fa ripensare la nostra relazione con la copia. La moda si costruisce sulla citazione e la copia. Ma ogni trend è un’enorme onda di citazioni anonime e copie. Dalla mia esperienza, le persone che vengono ai workshop di re-design non sono lì per copiare, ma per studiare i “codici”della moda. Giana Gonzales e il suo progetto Hacking Couture è un bellissimo esempio di questo approccio dove le persone fanno reverse-engineer dei “codici sorgente” di marchi famosi e abbelliscono i loro vecchi vestiti seguendo questo stile. Studiano, rimixano, campionano ma non copiano mai.
Allo stesso modo, in molti miei workshop la sensazione è che siamo tutti in uno studio di design temporaneo, dominiamo la scena per una sera. Per usare le parole di Brian Eno, possiamo dire che il fashion design impegnato sposta l’attenzione dal “genio” allo “scenius”(genio collettivo), la scena condivisa dell’innovazione collaborativa.

In un intervento recente Sir Ken Robinson ha messo in evidenza il problema delle istituzioni educative. Scuole e università stanno spesso insegnando materie e mettendo in pratica una modalità di insegnamento che non riesce più a coinvolgere gli studenti perchè ha perso la connessione con il mondo esterno e il modo in cui I modi di produzione si stanno evolvendo. In quanto il sistema educativo era stato pensato e concepito in un contesto completamente diverso. Come vedi questa critica spostata nel campo delle scuole di moda?

Le scuole di moda sono generalmente in una qualche relazione con le accademie di arte, e anche nelle scuole più tecniche gli studenti guardano agli artisti al vertice in quel campo. La formazione è interamente indirizzata nella produzione di pezzi che stiano da soli di fronte a una giuria. Difendono il loro progetto individualmente con una collezione e nessun coltivatore di cotone, produttore o consumatore è li con loro. Il vestito o la collezione deve“parlare da sè” Questo approccio è la spina dorsale di tutta l’educazione culturale, sia nell’arte che nel design.
E’ solo in questi ultimi dieci anni che e questioni riguardanti la produzione etica, I materiali ecologici, etc sono seriamente entrati in campo nella formazione. Il fashion design pretende ancora di non aver alcun interesse negli studi sugli utenti e I focus group. E’ il l’area marketing che affronta il problema, non il designer – il designer si pone oltre tali banali questioni.

Che tipo di cambiamenti pensi che l’open hardware e software porteranno alla produzione e creazione di moda? Puoi darci degli esempi pratici?

I fablab che vediamo tra la comunità hacker arriveranno anche nella moda. Programmi non proprietari per I cartamodelli e la possibilità di stampare tessuti con una stampante a getto di inchiostro domestica cambieranno il modo in cui la moda viene prodotta. Insieme ai processi di hacking intorno alle macchine ricamatrici e l’utilizzo di laser che tagliano la stoffa che ora sono ancora all’inizio. Penso che l’accesso ad infrastrutture, come succede ora nel mondo dei computer, farà crescere una wiki-economia di professional amateur. Senza contare tutta la scena dello scambio e del riciclo; milioni di tonnellate di vestiti che vanno nella pattumiera ogni anno, diventeranno un’enorme risorsa per nuovi modi di approccio al design e dove questo si manifesta nella catena produttiva.

L’obsolescenza è il maggiore meccanismo di creazione di ricchezza in un’industria dove c’è basso controllo della proprietà intellettuale sugli oggetti prodotti, come è la moda. Copiare abiti (non il logo!) è permesso affinchè le mode si diffondano più in fretta e le persone si abituano a cambiare stile ogni stagione. E’ l’ambiente che sta pagando il prezzo di questa libertà?

Sì, l’ambiente paga il prezzo. Credo che dobbiamo prestare attenzione quando parliamo di sostenibilità perchè non dobbiamo affrettarci alla conclusione che tutti gli abiti dovrebbero durare più a lungo e che sia necessario “rallentare” la moda. La rapidità della moda oggi è forse qualcosa che non viene dalla moda in sè, ma dalla società più in generale. Dobbiamo chiederci: “Quale velocità vogliamo e abbiamo bisogno di andare?” – e anche “ quali valori stimolati dalla moda vogliamo continuare a mantenere?”.

Possiamo creare dei stistemi che anora supportano la moda ma che lo fanno senza un impatto ambientale? Quando discuto questi argomenti di solito mi aiuto con l’esempio del parrucchiere: andiamo lì ogni mese ma forse non per farci tagliare I capelli. Ci andiamo per avere aggiornamenti sulla comunità, ascoltare qualche pettegolezzo e farci fare un massaggio. Ci sentiamo coccolati e ne usciamo trasformati. Lo stesso accade quando riusciamo ad avere poco impatto ambientale. Cosa può imparare la moda da ciò? Quali altri ispirazoni possiamo avere per trasformare ciò che pensiamo della moda?


Credo sia importante e sono contenta che questa intervista termini con alcune domande aperte perchè dovremmo sentirci tutti inclusi in un processo di cambiamento che è già in corso. Sento questo percorso stimolante e coinvolgente perchè il futuro e aperto, e sempre più persone possono determinarne la direzione.

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