(segue in italiano)
Here’s the second part (read the first part) of the interview to professor and designer Julian Roberts, exploring open-source, zero-waste and interdisciplinarity. Enjoy!
Zoe Romano – Do you think open-source and technology (like osloom.org, low cost laser cutting, 3d printers ) are going to change how fashion mainly is conceived and produced?
Julian Roberts – It’s definitely changing things already. As 3D printing becomes more accessible and the materials available to print in become more precious, durable and tactile, then it’s suitability to fashion is likely to rapidly grow. Currently they are useful tools for accessory and jewelry design, small component manufacture used in textile embellishment, and for integrating technology into textiles. I’m sure it will also transform both weaving and garment construction too in the very near future.
The fact that 3D printing is layered from the ground upwards from an aerial viewpoint is of great interest to me and the way i construct clothes. Laser cutting/etching too has great potential for textile designers and garment technologists, as well as for the design of accessories, jewelry and shoes. The more accessible these manufacture processes become to the public, the more DIY and unschooled their application will become, in much the same way that many lithographic and printing processes have now become easily accessible to the public, and transformed the way we all visually communicate through printed media. In education also these new technologies help close the gaps between subject disciplines, as well as allowing users to escape the confinements of universities and workshops, with the tools instead ending up in local shops, garden sheds or on the end of your desk. This liberates design.
If 3D printers, laser cutters and other open source technology can be designed in the infancy of these new technologies to save energy, recycle waste materials and inspire sustainable and ethical manufacture, then they will also become tools that will survive beyond just being technological marvels. Machines need to solve real problems, not just do things that haven’t been done before or boggle the mind.
ZR – Zero waste pattern-making brings sustainability principles into fashion production and eliminates that 15%/ 20% of the fabric usually thrown away. Are you bringing this issue also in your fashion projects?
JR – I have just sent a garment and pattern to be exhibited at the ‘Yield‘ exhibition at the New Dowse Gallery in Wellington New Zealand which runs from 26 March – 26 June 2011 before moving on to New York. It’s an exhibition curated by two fantastic zero-waste cutters Holly McQuillan from Massey University NZ and Timo Rissanen from Parsons New School NYC. For the exhibition i created a ‘Zero-Waste Sub-Cut Dress’ that is exhibited alongside any scraps of waste/threads that were left over during the manufacture of the garment (less than 1%). This waste is what I’d call ‘necessary waste’, needed to make the design better, but I wanted to exhibit it and let the viewer make up their own minds as to how wasteful the design is. The importance of Zero-Waste is very much open to debate, and that debate is very much worth having, as it gives designers more to think about.
The text that accompanies the exhibit reads: “This is a ‘minimal waste’ garment, made from 7 meters of fabric, which some people might consider excessive! The flat pattern for this dress was constructed directly into the cloth from memory, so the digital paper patterns have been made afterwards for display purposes, and were never actually used. All the leftovers scraps are exhibited alongside the garment because it’s important to weigh up all the losses, to decide how much waste is acceptable, and whether the finished outcome is worth all the costs. After all, a garment is made for wearing not just designing. The proof of the pudding is always in the eating, not the cooking.”
Subtraction Cutting can work very well with Zero-Waste garment cutting concepts, particularly if one considers that a hole can be made from a lazer or scalpel cut line, rather than subtracting fabric to create negative spaces. Also, any holes created can be intelligently shaped so that the pieces that are removed become used to line the garment, form details, or become parts of other garments.
This allows you to pattern cut multiple garments within one designed pattern, so that perhaps for every 10 subtraction dresses cut, there are also 4 jackets jigsaw-pieced together from the subtracted debris. Suddenly there are new possibilities to explore!
But designers must never be frightened to make mistakes, work by trial and error, or create multiple prototypes before reaching conclusions.. these are not wasteful processes, but necessary in honing and improving good design. Some waste must always be factored in and allowed to happen. Some waste is good waste, and we can learn a lot from our creative mistakes.
ZR – Interdisciplinarity is the field where most of the innovation happens. For example when programmers meet with fashion designers, or crafters meet with fablabbers. One of the main challenges that we are facing though, is the attempt to find ways of communication beyond diverse cultural backgrounds, disciplines and educational levels. When did u experience interdiciplinarity? What are the positive and negative aspects of it?
JR – Although in education and industry we divide and departmentalize creative disciplines from each other into separate specialisms, so that menswear becomes divided from womenswear, fashion from textiles, graphics and fine art seen as being different from each other and from fashion or film, and the sciences distinctly different from the humanities and arts….. but actually there are NO REAL DIVISIONS. You are free to trespass into other disciplines/departments in which you may not have training, and nothing to stop you assimilating science into the arts, architecture into textiles, or film into the practice of fashion design. We seem to want to self-limit ourselves by discipline/specialism, when often our approach to subjects outside our experience/specialism might be intriguing/novel/revolutionary precisely because of our inexpert knowledge.
Interdisciplinarity is good if it increases curiosity between subjects and creates grey areas, but not if stops you exploring other creative specialisms yourself and extending the boundaries of your own design practice further. One of the most fulfilling international masterclasses I have given was in Mexico City at Centro University.
There i taught Subtraction Cutting to a mixed group of Fashion, Graphics, Product, Film and Architecture students, translated between English & Spanish. The response was diverse and fascinating. Rather than just fashion being made we also had film documentaries, performance art, brand development and inflatable SubCut sculptures filled with smoke. We even had miniatuized garments made to dress body organs… hearts, livers and lungs! I love that kind of unlikely response, the project goes where imagination pushes it.
I’ve also worked with mathematicians from the Royal Institution to develop soft geometry classes for high school kids that explore topology through fashion… geometry you can climb inside and wear. That was pretty surreal seeing as i failed GCSE Maths by ruining my maths paper!))
Working with textile designers is always interesting, when garment patterns are created around the motifs of emboidery/print/knit/weave, so that the garment shape grows organically from the textile design, rather than pattern cutting being a seperate discipline from it.
I’ve also worked with SuperSuper Magazine to bring together 5 designers, 5 bands/musicians, video projection, DJ’s and performance artists at shows at London Fashion Week. All unrehearsed, this kind of interdisciplinary collision is what makes London Fashion Week so exciting and different. London loses ground when it behaves itself and tries to emmulate New York, Milan or Paris. Of course in my own practice i have often combined fashion, textiles, graphics, film, web design, writing, and performance, but then i refer back to my original point… i see these things as being part of fashion, not separate from it. I seize these disciplines as being my own, and don’t need an expert telling me the right ways to make a film, make a logo, write a book or programme a website.
Fashion designers and students too often relinquish control of construction, styling and communication. It’s important not to allow collaboration andinterdisciplinarity to limit your creative scope or responsibility, by believing that experts can do the job better. Often they do not, they only do what they are comfortable doing.
I travel all over the world teaching garment cutting, and often this means i need to find new ways to communicate and overcome language barriers with large groups of people. But we often share a visual language where words can be dispensed with in favor of sketches, demonstration models, video projection and elaborate hand signals!
I would love to work with scientists and computer programmers/hackers on collaborative projects to build new machines and software for cutting clothes. I’d love to produce a creative machine that replaces fashion designers, and reduced the amount of crap design being made! 🙂
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Ecco la seconda parte (leggi qui la prima parte) dell’intervista al professore e designer Julian Roberts, dove esploriamo le potenzialità dei codici aperti, dello scarto zero e dell’interdisciplinarità. Enjoy!
Zoe Romano – Pensi che i codici e le tecnologie aperte (open-source) stiano per cambiare il modo in cui la moda è concepita e prodotta?
Julian Roberts – Sicuramente le cose stanno già cambiando. La stampa 3d sta diventando sempre più accessibile e i materiali disponibili stanno diventando più preziosi, durevoli e tattili, di conseguenza le opportunità di applicazione nelal moda cresceranno rapidamente. Attualmente ci sono già strumenti utili per il design di accessori e gioielli, per aggiungere piccoli componenti manufatti che abbelliscono i tessuti, e per integrare la tecnologia nel tessile. Sono sicuro che presto ci saranno trasformazioni importanti anche nella tessitura e nel modo in cui costruiamo gli abiti.
Il fatto che la stampa 3d avvenga appoggiando strati dal basso verso l’alto, con una veduta aerea, è interessante per il modo in cui anche io costruisco i miei abiti. Anche il taglio laser offre grandi possibilità per i designer tessili e i tecnici degli abiti, ma anche per chi progetta accessori, scarpe e gioielli. Più accessibili al pubblico diventano questi processi di manifattura, più DIY e non scolarizzato diventeranno le loro applicazioni. Un po’ come è accaduto per la stampa e la litografia trasformando il modo in cui noi tutti comunichiamo attraverso la carta stampata. Anche dal punto di vista educativo, queste nuove tecnologie aiutano a colmare i varchi tra le discipline, permettendo agli utilizzatori di andare oltre i confini delle università per ritrovarsi in negozi locali, garage o addirittura la propria scrivania. Tutto ciò libera il design.
Se le stampanti 3d, le macchine per il taglio laser e altre tecnologie aperte vengono poi progettate, sin dall’inizio, per risparmiare energia, riciclare materiali e favorire una manifattura più etica e sostenibile, allora diventeranno strumenti utili, oltre che meraviglie tecnologiche. Le macchine devono risolvere problemi reali, non solo fare cose mai fatte prima e farci sbalordire.
ZR – La creazione di cartamodelli a scarto-zero introduce i principi della sostenibilità nella produzione di moda cercando di limitare anche quel 15-20% di stoffa che di solito viene gettata. Stai esplorando anche tu questo approccio nei tuoi progetti?
JR – Ho appena spedito un capo e un cartamodello per essere esposto a Yield, la mostra che si terrà alla New Dowse Gallery a Wellington in Nuova Zelanda dalla fine di marzo fino al 26 giugno 2011, prima di andare a New York. E’ una mostra curata da due fantastici cartamodellisti a scarto-zero: Holly McQuillan della Massey University in Nuova Zelanda e Timo Rissanen della Parsons New School a NYC. Per la mostra ho creato un ‘Zero-Waste Sub-Cut Dress’ che verrà esibito insieme ai resti di stoffa e fili avanzati durante la manifattura del capo (meno dell’1%).
Tale avanzo è ciò che io definisco “resto necessario” di cui abbiamo bisogno per creare un design migliore, ma volevo che i visitatori diventassero consapevoli e si rendessero conto di quanto sia sprecone il design. L’importanza dello Scarto-Zero è molto dibattuta ed è un dibattito che vale la pena avere perchè fornisce ai designer un tema su cui riflettere.
Nel testo che accompagna la mostra si legge: “Questo è un capo dallo “scarto minimale”, prodotto con 7 metri di stoffa, che molte persone considerano eccessivo! Il cartamodello per questo vestito è stato costruito direttamente nel capo a memoria, e di conseguenza il cartamodello digitale su carta è stato fatto successivamente per poter essere esibito ma non è mai stato usato. Tutti gli scarti sono in mostra insieme al capo perchè è importante dare peso a tutto ciò che si perde, per decidere quanto scarto è accettabile e se il risultato finale vale i suoi costi. Dopo tutto, ogni capo è fatto per essere indossato, non solo per essere progettato. La prova per capire se un dolce è sempre nell’assaggio e non nella cottura. ”
Il Subtraction Cutting lavora molto bene con i concetti che caratterizzano l’approccio Scarto-Zero, specialmente se si considera che un buco può essere fatto sia da un laser che da un bisturi, ancichè sottraendo stoffa per creare spazi negativi. Inoltre, ogni buco può essere sagomato in modo intelligente così che le parti rimosse diventano utili per creare dettagli o parti di altri capi.
Questo ti permette di tagliare capi multipli con un solo cartamodello, così che per ogni 10 capi a sottrazione, risultano anche 4 giacche-puzzle costruite a partire dai pezzi avanzati. Tutto ad un tratto ci sono nuove possibilità da esplorare!
I designer non dovrebbero essere mai preoccupati di fare errori, di lavorare per tentativi, di creare prototipi multipli prima di raggiungere il risultato finale. Questi non sono processi sprecati ma necessari per migliorare e levigare una buona progettazione. Qualche scarto è parte del processo di lavorazione e deve accadere. Qualche scarto è buono perchè possiamo imparare un sacco dai nostri errori creativi.
ZR – L’interdisciplinarità è il campo dove la maggior parte dell’innovazione si sviluppa. Per esempio quando i programmatori si incontrano con i designer o gli artigiani incontrano i makers. Una delle sfide che stiamo affrontando è proprio quella di creare relazioni tra persone con diversi background, che provengono da discipline e percorsi educativi diversi. In che modo hai sperimentato l’interdisciplinarità nel tuo campo e quali sono i suoi aspetti positivi e negativi?
JR – Nonostante nel sistema educativo e industriale tendiami a dividere le discipline creative in dipartimenti e specialismi separati, cosicchè la moda uomo, per esempio, si divide dalla moda donna, la moda dal tessile, la grafica e le arti divise dalla moda e dal cinema, in realtà non ci sono reali divisioni. Siamo liberi di andare e invadere altre discipline di cui non abbiamo ricevuto formazione, e niente puo’ fermarti nel far convergere la scienza con l’arte, l’architettura con il tessile.. Sembra che vogliamo limitarci quando spesso il nostro approccio a concetti al di fuori della nostra esperienza/specialità potrebbe essere intrigante/nuovo/rivoluzionario precisamente perchè abbiamo una conoscenza non specializzata.
L’interdisciplinarità è buona se fa aumentare la cuirosità tra soggetti e crea aree grige, e non ti fa smettere di esplorare altre specialità creative da solo ed estende i confini della tua pratica. Una delle masterclasses più soddisfacenti che ho fatto è stata a Mexico CIty nella Centro University. Ho insegnato il Subtraction Cutting a un gruppo misto di studenti di moda, grafica, prodotto, film e architettura, traducendo tra inglese e spagnolo.
La risposta è stata varia e avvincente. Non abbiamo prodotto solo moda ma anche documentari, performance, sviluppo di brand e di sculture SubCut gonfiate di fumo. Abbiamo anche creato abiti miniaturizzati per vestire gli organi del corpo… cuori, fegato e polmoni! Adoro questo tipo di risposta poco scontata, quando il progetto va dove l’immaginazione la trasporta. Ho anche lavorato con matematici della Royal Institution per sviluppare corsi di geometria soft per la scuola superiore che esplorano la topologia attraverso la moda…geometria in cui inerpicarsi e indossare.
Lavorare con i designer del tessuto è sempre interessante, quando i pattern sono creati attorno a motivi di ricamo/stampa/maglia/tessitura, così che la forma del capo cresce organicamente dal tessuto, piuttosto che tenerlo come disciplina separata dalla creazione del cartamodello.
Insieme a SuperSuper Magazine ho messo insieme 5 designer, 5 gruppi musicali, video proiezioni, dj e performer alla London Fashion Week. Tutto in modo estemporaneo, questo tipo di collisioni interdisciplinare è ciò che rende speciale e diversa la London Fashion Week. Londra perde la sua essenza quando cerca di emulare New York, Milano e Parigi.
Nella mia pratica ho sempre combinato moda, tessile, grafica, film, web design, … ma poi torno alle mie origini. Vedo queste cose come parte della moda, non separate da essa.
ZOESCOPE 