Julian and Subtraction Cutting – part 1

(segue in italiano)

Julian Roberts is a british fashion designer is the inventor of a garment pattern cutting method called ‘Subtraction Cutting’ and goes around the world on tour to demonstrate his technique.
He became Professor at the University of Hertfordshire (Hatfield) in July 2004 at the age of 33 becoming the youngest professor in the UK and now lectures at MA Mixed Media Textile at the Royal College of Art in London.
Subtraction Cutting is about designing with patterns, rather than creating patterns for designs and its basic premise is that the patterns cut do not represent the garments outward shape, but rather the negative spaces within the garment that make them hollow.

I interviewed him some days ago to discover a bit more about his approach and explore his point of view on  some other topics. Here’s the first part of the interview.

Zoe Romano – How would you describe Subtraction Cutting to someone who doesn’t know much about patterns but loves fashion ?

Julian Roberts –  Before you buy a garment and wear it,  it will have been touched by many skillful hands, but often the hand that touches it the LEAST is the hand of the fashion designer.
Design is too often staged, managed and made remote from manufacture: cutting and sewing is delegated or kept at arms length, far away from the glamourous boutiques and catwalk, the showroom or design studio. Sometimes it even happens abroad somewhere, in places we’d rather not visit or talk about.

I use Subtraction Cutting to show how design, cutting, sewing, visual promotion and trading can all link back up together closely, and prove the exceptional creativity within this extended manufacture process.

Subtraction Cutting is ‘designing in patterns’, rather than in vague illustrative drawings which become reinterpreted by other skilled cutters. It is an attempt to burst the ego bubble of fashion design by bring sewing, cutting and textiles closer together in a joined up way that respects the maker. A designer is usually the person who designs the outside view of a silhouette, and oversees the development of fit, detail placement and the balance of colour and fabrication.

I personally design the shape of the empty space within the garment, so that when you slip inside it you move through my cutting process, you are within the space i crafted, it is an inside viewpoint as much as an out. Every garment you buy is emptied of space before you wear it, flattened on a rail, or folded for display. It becomes dimentionally hollow the moment you try it on, allowing your body room to move inside.

Usually, as you slip a garment on, the view you see in the mirror is the same view the designer once drew or imagined before it was made: front facing, upright, turning to the left or right, perhaps doing a twirl.

But the viewpoint I design from is more likely to be above your head, looking down from an aerial view, or spiraling around the body. Subtraction Cutting is a moving, changeable viewpoint, an experimental method of making hollow shapes that allows for surpise discovery, risk and error. Sometimes when you go wrong, the really interesting design happens. You start to invent shapes that aren’t retro inspired or emulative of past or current styles.

Anyone can learn Subtraction Cutting in a few hours, including the customer. I want the wearer to not only own the garment, but also to be aware of how it is constructed and made, and perhaps even be inspired to try making their own version if they so wish. Sub-Cut garments can therefore be self-replicating.  The design secrets are exposed and open to exploration. It’s open source once you are shown the garments insides and its manufacture history.

It’s exciting to make your own style and clothes. To create something unique or push a design further than it has already been taken. Try it yourself!

ZR –  In one of your video lectures you say that inaccurancy added to the garment can make the design better. Can you dig a bit more into this concept?

As a trained designer, your reaction to anything new and unexpected is often initially one of concern, displeasure or shock. We often dismiss, avoid or trash things that waste our time, go wrong, or which don’t quite go the way we expect. But our creative certainty and expectations can be very limiting. The more we learn and the more qualified we become, the more we try to avoid error and become critical of mistakes that may jeopardize our objectives.

If i stand up in front of a group of highly skilled Masters degree students or professionally trained designers and say “Right, let’s make a collaborative garment collection together that will be ready to show in 3 hours from now!”,  they will tend to panic and worry about what is achievable of value within such a short time frame. They will often be cautious, or uncomfortable with the idea of being rushed into decision making where results are unpredictable. They might also feel worried about failing in front of their peers.

If I repeat the same thing at a school with a group of 12 year olds, then it’s likely everyone will cheer “Yayyyy!”, because they don’t know the rules and are simply excited to be doing something different that is outside their experience. Unschooled thought is less critical, less concerned, less self-defeating.

So I am very aware that my lengthy education comes at a real price. That i must compete in a world where better ideas may emerge from non-specialist sources, more hungry than i am for profit or fame, and more skillful precisely because they are not burdained by western academic thinking, quicker on their toes to take advantage of opportunities i might miss if i try to hard to control and own all the outcomes.

ZR – As explained in The Piracy Paradox paper,  patterns in fashion are not copyrighted because copying enables designs and styles to move quickly from early adopters to the masses. The copying of designs helps fuel the incessant demand for something new and also Johanna Blakely explained how low ip protection is beneficial to the whole industry.  Last august  Senator Chuck Schumer introduced the
“Innovative Design Protection and Piracy Prevention Act”  to extend copyright protections to the fashion industry. What’s your opinion on copyright in fashion?

JR – Copying may well be a stimulant to the general turnover and movement of fashion and style, hightening demand and pushing designers to keep ahead of counterfeiters, but to small startup designers living on the breadline and working on shoestring budgets i understand how it can be difficult to appreciate the bigger picture, when you’re in debt putting all your resources into product development that is unprotectable.

It can seem unfair to be copied, and yet everyone is so desperate to show their work become influential and famous. As a very small designer brand, I do not care a less about the ‘whole industry’,  it can crash and burn for all I care. The larger fashion brands get, the more detouched from manufacture they become, the more they drive down production costs, and the more full of shit their marketing becomes.

What is important to me is my personal experience of designing and making, and passing ideas on. I’m happy being small, personal, direct and close to the ground. If someone else wants to make profit from my techniques then I am happy for them to try, i am not posessive with creative ideas, i want others to share and use them and make them their own.

To be continued…

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Julian Roberts è uno stilista inglese, inventore di un modo per creare cartamodelli chiamata ‘Subtraction Cutting’ (taglio a sottrazione) e gira il mondo a fare dimostrazioni e corsi su questa tecnica.

E’ diventato professore alla University of Hertfordshire (Hatfield) nel luglio del 2004 all’età di 33 anni, conquistando il titolo di più giovane professore del Regno Unito e ora insegna al master Mixed Media Textile del Royal College of Art a Londra.
Subtraction Cutting significa progettare con i cartamodelli, invece che creare cartamodelli per un design. La sua premessa base è che i cartamodelli non rappresentano la forma esteriore del vestito ma piuttosto gli spazi negativi all’interno del capo, quegli spazi che lo rendono cavo.

Ho intervistato Julian qualche giorno fa per scoprire un po’ di più sul suo approccio e esplorare il suo punto di vista su altri argomenti che ci interessano. Qui di seguito trovate la prima parte dell’intervista.

Zoe Romano – Come descriveresti il Subtraction Cutting a qualcuno che non sa di cartamodelli ma adora la moda?

Julian Roberts – Prima dell’acquisto di un capo e prima che tu lo indossi tale vestito sarà toccato da molte mani capaci e quelle che l’hanno toccato meno sono proprio quelle dello stilista. Il design è troppo frequentemente costruito e gestito lontano dalla manifattura: tagliare e cucire sono delegati e mantenuti a distanza dalle sfilate e dalle vetrine glamour, dagli showroom e dagli studi di design.

Qualche volta ha luogo addirittura da qualche parte all’estero in posti che non visiteremmo o di cui parleremmo volentieri.

Io utilizzo il Subtraction Cutting per mostrare come il design, il taglio, il cucito, la promozione e il commercio possono essere strettamente collegati e provare la creatività eccezionale di questo processo di manifattura esteso.

Subtraction Cutting è “fare design nei cartamodelli”, invece che in vaghi disegni illustrati che sono interpretati da tagliatori professionisti. E’ il tentativo di far scoppiare la bolla egotica della moda portando il taglio, il cucito, il tessuto in un insieme che rispetta il maker, colui che fa.

Il designer è colui che disegna la parte esteriore della silhouette, e non bada troppo allo sviluppo della vestibilità, dei dettagli, del bilanciamento tra colore e costruzione.

Il mio stile personale consiste nel progettare la forma dello spazio vuoto del vestito, così che quando te lo infili, passi attraverso il mio taglio, sei dentro lo spazio che ho costruito. Si tratta di un punto di vista interno ma anche esterno.

Ogni abito che acquisti prima che lo indossi è svuotato di spazio, appiattito o piegato per essere mostrato. Diventa dimensionalmente incavo nel momento in cui lo indossi, creando spazio con il tuo corpo.
Di solito, quando ti infili il vestito, vedi ciò che lo stilista aveva disegnato e si era immaginato prima di essere fatto: vista di fronte, lato destro, sinistro, magari ruotando.

Ma il punto di vista da cui io progetto è più come se fossi sopra la tua testa, guardando dall’altro con una visione aerea, o muovendomi a spirale intorno al corpo.

Il Subtraction Cutting è un punto di vista che cambia e si muove, un metodo sperimentale per creare spazi vuoti che danno vita a sorprese, scoperte, rischi ed errori. Qualche volta proprio quando sbagli, prende vita il design più interessante. Inizia ad inventare forme che non sono ispirate da stili retro e non cercano di emulare stili passati o contemporanei.

Tutti possono imparare il Subtraction Cutting in poche ore, anche gli acquirenti. Voglio che chi indossa il capo non solo lo possegga, ma sia consapevole di come è stato fatto e costruito, e sia anche ispirato nel provare a crearne uno da sè, se lo desiderano. I capi Sub-Cut si possono autoreplicare. I segreti della progettazione sono visibili e aperti all’esplorazione. Diventa open-source nel momento in cui mostri le parte interne del capo e la sua storia di manufatto.
E’ eccitante creare il proprio stile e i propri vestiti. Creare qualcosa di unico o spingere un design più in là di quanto sia già stato fatto. Prova!

ZR – In uno dei tuoi video dici che un po’ di inaccuratezza può migliorare il design del vestito. Puoi esplorare un po’ di più questo concetto?

Ho studiato da stilista e la reazione rispetto al nuovo e all’inaspettato all’inizio si traduce spesso in preoccupazione, dispiacere e shock. Di solito respingiamo, evitiamo e buttiamo via le cose che ci fanno perdere tempo, sono sbagliate o non vanno nel modo che ci aspettavamo.
Ma la nostra certezza creativa e le nostre aspettative possono diventare molto limitanti. Più impariamo e più qualificati diventiamo, più cerchiamo di evitare l’errore e diventiamo critici rispetto agli errori che potrebbero mettere a repentaglio i nostri obiettivi.
Se mi trovassi di fronte ad un gruppo di studenti di master altamente qualificati o di fronte a designer professionisti e dicessi ” Bene, facciamo una collezione collaborativa insieme che possa essere pronta per uno show fra 3 ore da adesso!”, andrebbero in panico e si preoccuperebbero del risultato da raggiungere in quel tempo cosi’ limitato. Sarebbero cauti e non a proprio agio con l’idea di essere spinti a prendere decisioni affrettate con un risultato imprevedibile. Potrebbero anche essere preoccupati di fallire di fronte ai loro pari. Ma se ripetessi l’esperimento davanti a una classe di dodicenni, è più probabile che si mettano a esultare “Evviva!”. perchè non sanno le regole e sono semplicemente eccitati di fare qualcosa di diverso lontano dalla loro esperienza. Il pensiero non scolarizzato è meno critico, meno preoccupato, meno controproducente.

Così mi rendo conto che l’aver studiato molto implica un prezzo da pagare. Devo competere in un mondo dove le idee migliori possono giungere da fonti non specialistiche, più bramose di di fama e profitto, e quindi più capaci perchè non limitate dal pensiero accademico occidentale. Più veloci nell’approfittare delle opportunità che mi perdo se mi metto a controllare e possedere tutti i risultati.

ZR – Come viene spiegato nel paper The Piracy Paradox, i cartamodelli non sono prottetti da copyright nella moda perchè la possibilità della copia permette di passare velocemente da uno stile all’altro, dagli “early adopters” alle masse. Questo processo aiuta la domanda costante di novità beneficiando l’intera industria come ha illustrato anche Johanna Blakely in una recente presentazione. Lo scorso agosto però il senatore americano Chuck Schumer ha introdotto la proposta di legge chiamata
“Innovative Design Protection and Piracy Prevention Act” per estendere le protezioni del copyright anche all’industria della moda. Qual’è la tua opinione a riguardo?

JR – Copiare potrebbe essere considerato uno stimolante per il rinnovamento generale e che movimenta la moda e lo stile in generale, portando sempre più in là la domanda e spingendo gli stilisti a stare sempre un passo avanti, ma per i designer che cominciano la loro impresa vivendo su budget ristretti penso sia difficile per loro guardare da questa prospettiva più ampia. Quando ti indebiti e metti tutte le tue risorse in un prodotto che non puoi proteggere.
Sembrerebbe ingiusto essere copiati e tutti sono impazienti di mostrare il proprio lavoro per diventare famosi e influenti.

Io sono un designer con un brand molto piccolo e non mi curo molto dell'”intera industria” della moda, , potrebbe crollare e bruciare per quanto ci tengo. I brand più grandi più si distanziano dalla manifattura, più abbassano i costri di produzione e più il loro marketing si riempie di merda.
Reputo importante l’esperienza personale nel progettare e fare, e trasferire le idee. Sono contento di essere piccolo, personale, diretto e con i piedi per terra. Se qualcun altro vuole fare profitto dalle mie tecniche, sono felice che abbiano voglia di provare, non sono possessivo con le idee creative, voglio che siano condivise e che gli altri le usino e che ne abbiano di proprie.

To be continued…